Raus aus den Konzertsälen. Die Pop-up Konzerte umsonst & draußen im Rahmen von PODIUM.Education 2021

Gemeinsam mit 200 anderen Kindern und Jugendlichen beim Esslinger Kulturrucksack-Konzert dicht gedrängt im Foyer das Ticket vorzeigen, um dann im voll besetzten Haus ein Konzert zu erleben? Was seit 2014 Tradition bei PODIUM.Education hat, scheint – obwohl sich die pandemische Lage immer weiter entspannt – auch 2021 noch immer kaum vorstellbar. Zudem sind die Kraftreserven der Lehrer*innen für die Organisation von Sonderaktitäten nach der langen und zermürbenden Zeit der Schulschließungen und des Wechselunterrichts weitgehend aufgebraucht. Doch soll unser junges Publikum deshalb ganz auf Livemusik verzichten? Das wäre zu schade, finden wird, und drehen deshalb in diesem Jahr den Spieß um. Statt Kinder und Jugendliche zu uns einzuladen, schicken wir ein mobiles, gut gelauntes musikalisches Einsatzkommando raus in die Stadt. Jazz-Sängerin und Musikpädagogin Julia Ehninger gibt gemeinsam mit dem Gitarristen und Sänger Marco Mlynek einem/einer Schlagzeuger*in, sofern dies gewünscht ist, auf den Schulhöfen der Partnerschulen des Kulturrucksacks in den großen Pausen kleine Minikonzerte. An der frischen Luft und mit gebührendem Abstand können so auch die Jüngsten endlich wieder Livemusik erleben. Auch die Reihe „PODIUM per tutti“ findet auf diese Weise eine Fortsetzung. Statt in den Turnhallen und Kuschelecken der Esslinger Kindertagesstädten finden die kleinen, interaktiven Konzerte einfach auf den Spielplätze an der frischen Luft statt. Und auch Seniorenheime stehen wieder auf der Route der Musiker*innen. Auf dass möglichst viele Esslinger*innen aller Generationen bei sommerlichen Temperaturen ein bisschen frische, virenfreie Festivalluft schnuppern können…

Die genauen Zeiten und Orte geben wir hier in Kürze bekannt.

Augen schließen und schwelgen im dichten polyphonen Klang des Barocks: Auf einem historischen Instrumentarium werden selten aufgeführte Werke des 17. und 18. Jahrhunderts mit zeitgenössische Musik, die sich auf eben jene Zeit bezieht, verschränkt. Der Clou liegt hier im Klang, denn der Abend versucht, ein besonders immersives Klangerlebnis zu schaffen: Dank eines Mehrkanal-Lautsprechersystems wird der Ensembleklang in Echtzeit elektronisch verstärkt, verräumlicht, verdichtet und verzerrt, zu einem barocken Klangbad.

Neue Aspekte in der Alten Musik zu finden, Bezüge zum Heute entdecken in der Musik einer Zeit, in der Unsicherheiten ungefiltert erfahren und Emotionen offen gelebt wurden, das ist schon lange ein Leitmotiv von PODIUM. Nach den besonderen minimalistischen Interpretationen von „Orfeo“ und der „Johannespassion“ in den vergangenen Jahren laden nun acht junge Musiker*innen zu einem barocken Klangbad. Auf einem historischen Instrumentarium werden selten aufgeführte Werke des 17. und 18. Jahrhunderts lebendig, Komponisten wie Georg Muffat und Johann Christoph Bach. Doch die Aufführung versucht darüber hinaus, das aus der Kunstwelt vertraute immersive Erleben auf diese Musik zu übertragen: Dank eines Mehrkanal-Lautsprechersystems wird der Ensembleklang in Echtzeit elektronisch verstärkt, verräumlicht, verdichtet und verzerrt. Einzelne Instrumente treten hervor, nicht willkürlich, sondern in Anlehnung an die Partitur. Auf diese Weise lässt sich eine erstaunliche Intensivierung erleben: Augen schließen und schwelgen im dichten polyphonen Klang des Barocks. Dieser Klang erfährt eine Verlängerung bis in die Gegenwart, wenn zeitgenössische Komponisten wie Johannes Schöllhorn oder Arash Safaian das „In-Nomine“-Motiv des Frühbarocks aufgreifen oder barocke Kadenzen modern interpretieren. Bereits im 16. und 17. Jahrhundert war das Klangmotiv, das ursprünglich aus einer Messe von John Taverner stammt, sehr beliebt und wurde von vielen Komponist*innen kunstvoll polyphon verarbeitet. Heute zieht es sich wie ein roter Faden durch das Programm. Den Höhepunkt dieses ungewöhnlichen Konzerterlebnisses bildet die Darbietung des Textes »Transcription of Organ Music« aus der Feder des Dichters Allen Ginsberg, kombiniert mit Orgelbearbeitungen von Johann Sebastian Bach.

Weather ist ein „Vier Jahreszeiten“ für den Klimawandel: Donner und Regen, gezeichnet in harten Rhythmen, springenden Melodien. Zwischen Neuer Musik und Minimalismus, Dissonanz und Popkultur bewegt sich Michael Gordons Stück in diesem Arrangement für Streichsextett. Daneben präsentiert der Abend „Plan & Elevation“ von Caroline Shaw und ausgewählte pastorale Stücke für Cembalo und Violine.

Schon immer hat das Wetter Musik inspiriert, und das ungemütliche vielleicht noch einmal intensivere als der Sonnenschein: Ob im barocken Volkslied „Es geht ein dunkel Wolk herein“, bei Robert Schumanns „Ungewitter“ oder Burt Bacharachs „Raindrops Keep Falling on My Head“ – Abschiede, Melancholie und Liebeskummer scheinen ihre äußerliche Entsprechung im sich verdüsternden Himmel zu finden. „Weather“ greift diese Tradition postmodern auf, und obschon der US-amerikanische Komponist Michael Gordon das Stück 1997 schrieb, steckt darin ein sehr heutiges Gefühl für das Ausgeliefertsein gegenüber einer Natur, die nicht für den Menschen gemacht ist, aber sehr wohl von ihm gemacht wird. Donner und Regen, gezeichnet in harten Rhythmen, springenden Melodien: Zwischen Modaler Musik und Minimalismus, Dissonanz und Popkultur bewegt sich sein Stück in diesem Arrangement für Streichsextett. Neben „Weather One“ präsentiert der Abend das Stück „Plan & Elevation“ der US-amerikanischen Musikerin und Komponistin Caroline Shaw. sie Shaw arbeitet mit dem Rap-Musiker Kanye West genauso wie mit Barock-Ensembles, sie ist eine der wenigen weiblichen Preisträgerinnen des Pulitzer-Preises für Musik und die mit 30 Jahren bisher jüngste. Abgerundet wird das Programm durch pastorale Stücke für Cembalo und Violine.

Der PODIUM Weggefährte Geiger Florian Willeitner entwickelt mit seinen zwei Co-Musikern aus den verschiedenen Traditionen seines Instruments einen neuen, transkulturellen Stil und neue, mitreißende Spieltechniken.

Der Mars, der in Science-Fiction-Filmen immer sehr wüstenhaft erscheint, ist bitterlich kalt: Nur minus 23 Grad erreicht das Thermometer am Äquator, an den Polen des Mars sind es gar -140°C. Da dürfte es potenziellen ersten Marskolonist*innen wohl schwerfallen, in ihren gepanzerten Gewächshausstrukturen in schwachen Magnetfeldern, durch die ungeschützt die Miniasteroide rauschen, an Violinen zu denken. Andererseits: Wollte man sich da oben nicht bald an die Gurgel gehen, wird Musik wohl eine Rolle spielen müssen, die sie auch einmal auf der Erde innehatte und manchmal auch noch innehat: Musik macht Gemeinschaft, auf dem Mars der Zukunft wie in Esslingen im Ausklang (toitoitoi!) der Corona-Pandemie. Wie die Musik da oben klingen kann, spielt PODIUM-Weggefährte Florian Willeitner mit seiner Gruppe First Strings on Mars an diesem Abend. Das Trio, das in diesem Jahr auf dem Jazz-Label Act sein selbstbetiteltes Debütalbum veröffentlichte, spielt eine Sci-Fi-Kammermusik, in der sich Anspruch, Emotion und Groove begegnen. Der Passauer Geiger Willeitner versucht mit seinen zwei Co-Musikern, aus den verschiedenen Traditionen seines Instruments – von Yehudi Menuhin zu Lonnie Johnson zu Schnuckenack Reinhard – einen neuen, transkulturellen Stil zu entwickeln und dabei die Grenzen des Instruments auszuloten. Und auch der Aspekt der Vergemeinschaftung wird an dem Abend nicht  zu kurz kommen, denn die Veranstaltung ist als Gesprächskonzert angelegt – ein lockeres Format, bei dem auf der Bühne in Lounge-Atmosphäre nicht nur herausragende Musik gespielt, sondern auch gelacht wird und Anekdoten geteilt werden – vom Mars und von vielen Jahren beim PODIUM.

Mit Musik von „Asamblea Mediterranea“ feiern wir auf dem Hafenmarkt die Eröffnung des Soundwalks zum jüdischen Leben in Esslingen – auf dem Platz also, der der Standort der ersten Synagoge der Esslinger jüdischen Gemeinde war und sich mitten im Zentrum der Stadt befindet. Das Ensemble unter der Leitung von Alon Wallach spielt einen Auszug ihres zum Festjahr „1700 Jahre jüdisches Leben in Deutschland“ zusammengestellten Programms mit jüdischer Musik durch die Jahrhunderte. Der Klangspaziergang mit sieben Kompositionen, deren Schöpfer*innen zum Teil anwesend sein werden, kann ab der Eröffnung individuell und zeitunabhängig begangen werden – alles, was man dafür braucht, ist ein Smartphone.

Ab wann wird ein mechanischer Rhythmus zur Musik? Also: Ab wann ist das Rattern dampfgetriebener italienischer Webstühle, das Hämmern der Maschinen der britischen Schwermetallindustrie mehr als nur Nebeneffekt ihrer Arbeit, wann krabbelt es als Kunst unter die Haut, reißt die Hörenden mit? Von Mendelssohn Bartholdy bis Schostakowitsch erkundet der Abend die Verbindung von Fabrik und Musik.

Schon bevor sich in den 1970er Jahren ein avantgardistischer Stil zwischen Punk und Neuer Musik mit dem Namen „Industrial“ etablierte, beschäftigte der Klang der Fabriken die Musik. Die sich in die Lebenswirklichkeit ihrer Zeitgenoss*innen schleichende Industrialisierung hat ihre Spuren in den Werken klassischer Komponist*innen hinterlassen. Bei Felix Mendelssohn Bartholdy ist es vielleicht noch das nervöse Surren des Spinnrads, das eine spürbare Drohung in den Harmonien auslässt. 1913 hingegen veröffentlichte der Futurist Luigi Russolo sein Manifest „Die Kunst der Geräusche“ über das Nachbilden des Geräuschpegels der Moderne in der Musik und entwickelte Lärm-Instrumente wie das „Intonarumori“. Ein Jahrzehnt später und tiefer in klassischen Traditionen geerdet, entwickelte Dmitri Schostakowitsch in Leningrad Musik, die die sowjetische Realität abbildet, von vergifteten Hymnen auf die Oktoberrevolution zu Grotesken über Industriesabotage. Diese Musiktradition erkundet der Abend durch drei Jahrhunderte – und setzt sie bewusst in einen Ort, der ein Raum jener Arbeit ist, von der die Stücke handeln.

Was verbindet Shootingstars der Kunstmusik der Gegenwart wie Caroline Shaw oder Bryce Dessner mit einem Pionier der Neuen Musik wie Morton Feldman – und den mit Klassikern wie Robert Schumann oder Beethoven? Die Notation ist es nicht, da ging Feldman bekanntlich neue Wege, selbst das Instrumentarium ist nicht deckungsgleich. Das Malion Quartett fand den gemeinsamen Grund in der Beschäftigung der Genannten mit Auflösung, mit Dekonstruktion und Krise, in einer Besessenheit mit Neuanfängen.

Das Malion Quartett mit dem PODIUM-Weggefährten Alex Jussow verbindet in diesem eklektischen Programm all diese Vielfalt zu einem Abend, der zurück zu den Wurzeln von PODIUM geht: zur Kammermusik! Zugleich handelt es sich um die konzertante Aufführung eines Programms, das in der Folge auch als szenisches Projekt weiterentwickelt wird. Und so gesehen passt dieses Projekt auch zu einem PODIUM-Festival, das zurück und nach vorne zugleich blickt. Bei einem Abend mit Kammermusik, in dem Stile, Zeiten und Atmosphären sich umstürzen, stützen und ineinanderfließen.

Das lyrische Werk Rilkes und seine berühmten „Briefe an einen jungen Dichter“ bilden den Leitfaden dieses Abends, an den sich Kammermusik von Ludwig van Beethoven reiht. Die bekannten Rilke-Texte gewinnen so eine ganz neue Intensität und lassen sicher nicht nur im Titel daran denken, dass da noch immer viel Leben vor uns liegt.

Sonst stünde dieser Stein entstellt und kurz
unter der Schultern durchsichtigem Sturz
und flimmerte nicht so wie Raubtierfelle;
und bräche nicht aus allen seinen Rändern
aus wie ein Stern: denn da ist keine Stelle,
die dich nicht sieht. Du mußt dein Leben ändern.

So klingt eines der berühmtesten Gedichte Rainer Maria Rilkes aus, das 1908 in Paris entstandene „Archaïscher Torso Apollos“. Da steht also ein Mensch vor der steinernen Statue, vermutlich bruchstückhaft nur erhalten der Jünglingskörper, und erkennt in diesem Moment die Unerfülltheit des eigenen Lebens. Kein Befehl, eher ein Gefühl. Nicht: Weniger Fleisch essen und öfter einmal lesen, abnehmen und mehr Zeit für die Familie. Sondern das Anerkennen des Potenzials, das immer in jedem Menschen ruht, die Möglichkeit, die immer besteht, über sich hinauszuwachsen. Mit diesen Zeilen wird auch der Abend ausklingen, zu dem PODIUM in den Kaisersaal des Amtsgericht lädt. Das Werk lyrische Werk Rilkes und seine berühmten „Briefe an einen jungen Dichter“ bilden den Leitfaden des Programms, an den sich Kammermusik von Ludwig van Beethoven reiht. Die bekannten Rilke-Texte gewinnen so eine ganz neue Intensität und lassen sicher nicht nur im Titel daran denken, dass da noch immer viel Leben vor uns liegt.

Die Shootingstars und altbekannte PODIUM Weggefährte kommen zurück: „Wir sind mittlerweile so aufeinander eingespielt – das ist wie eine musikalische Symbiose“, sagte Bratschist Sander Stuart. Vielleicht Voraussetzung für den Mut, den das Quartett in Konzerten beweist. Aber auch darin, im Studio eben wieder die Verrücktheiten einzudämmen und sich in den Dienst großer Klassiker zu stellen, zurückgenommen zu zeigen, dass ihre phänomenalen Shows wirklich mehr sind als heiße Luft.

Man kann es ja kaum glauben, aber: Auch beim PODIUM gibt es manchmal Abende, da gibt es einfach einmal nur ein Streichquartett auf der Bühne, das Musik spielt. Geige eins, Geige zwei, Bratsche und Cello – das ist das Vision String Quartet. Auf dem Papier. Im Ohr klingt das eher wie eine Melange aus jahrhundertealter Tradition und Elementen, die eigentlich dem Pop zuzuordnen sind, ohne in der ZDF-Fernsehgarten-haftigkeit des Rondo Veneziano aufzugehen. Nein, die vier Berliner Jakob Encke, Daniel Stoll, Sander Stuart und Leonard Disselhorst sind herausragende Musiker und in der Kammermusikszene als eines der wichtigsten gegenwärtigen Quartette anerkannt, sie gewannen renommierte Preise wie den Felix Mendelssohn Bartholdy Hochschulwettbewerb und den Concours de Genève. Und schaffen es, ihre musikalische Brillanz mit Spielfreude und Lust am Experiment zu koppeln, bei den Konzerten Klassiker mit Eigenkompositionen zu verbinden und Improvisation zuzulassen. „Wir sind mittlerweile so aufeinander eingespielt – das ist wie eine musikalische Symbiose“, sagte Bratschist Stuart im Interview mit dem Magazin „Concerti“. Vielleicht Voraussetzung für den Mut, den das Quartett in Konzerten beweist. Aber auch darin, auf seinem Debütalbum „Memento“ vom Frühjahr 2020 eben wieder die Verrücktheiten einzudämmen und sich in den Dienst großer Stücke wie Schuberts „Der Tod und das Mädchen“ zu stellen, zurückgenommen zu zeigen, dass ihre phänomenalen Shows wirklich mehr sind als heiße Luft. Alle vier sind langjährige Weggefährten von PODIUM – nun kehrt das Vision String Quartet zum Abschied des künstlerischen Leiters Steven Walter zurück – mit Klassik und Pop.

Ja, es stimmt: Wir leben im Postheroikum, im postheroischen Zeitalter. Helden, das sind gestrige Gestalten, Muskelknaben, die gegen Drachen um Jungfrauen kämpfen – ein wenig lächerlich in ihrer protzigen Ernsthaftigkeit. So ganz wollen wir sie aber nicht gehen lassen. Was heute ein Held sein kann, überlegt auch Arrangeur Ian Anderson. Auf Basis dreier klassischer, aber dennoch völlig unterschiedlicher Heldenerzählungen – Béla Bartóks „Herzog Blaubarts Burg”, Richard Strauss‘ „Salome” und Ernest Blochs „Schelomo” – entwickelt er für diesen Abend besondere kammermusikalische Formate.

Wenn nach modernen Held*innen gefragt wird, sind das eher leise Gestalten, deren Wirken dennoch Mut macht. Die pakistanische Nobelpreisträgerin Malala Yousafzai, zum Beispiel, aber auch Intensivpfleger*innen und Menschen, die engagiert dazwischengehen, wenn rassistische Sprüche fallen. Der Kulturwissenschaftler Dieter Thomä forderte 2019 sogar, die demokratische Gesellschaft sollte ihre durchaus gerechtfertigte Skepsis gegenüber den Heldenfiguren überdenken: Reflektierte Held*innen jenseits der Drachentöter könnten die Demokratie stärken und Identifikation anbieten. Was heute ein Held sein kann, überlegt auch Arrangeur Ian Anderson. Auf Basis dreier klassischer, aber dennoch völlig unterschiedlicher Heldenfiguren entwickelt er für diesen Abend besondere kammermusikalische Formate. Auf Grundlage von Béla Bartóks „Herzog Blaubarts Burg”, Richard Strauss‘ „Salome” und Ernest Blochs „Schelomo” entstanden drei Werke für ein großes Kammerensemble, das in unterschiedlichen räumlichen Konstellationen in der Stadtkirche St. Dionys auftritt: Ein Triptychon gänzlich verschiedener Erzählungen des Heldentums, die hier rein musikalisch, instrumental und sinnlich erzählt werden.

HEROES! wird präsentiert in Kooperation mit der Stunde der Kirchenmusik.